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Robert Peluce – Diesel Punk Industrial – Precursor del SteamPunk actual.

Acrílico sobre lienzo de Robert Peluce en Arsenal Le Comte Arts
Robert Peluce (Nueva York 1937 – 2004) – Black Dog. Acrílico sobre lienzo
Robert Peluce (Nueva York 1937 – 2004) – Black Dog. Acrílico sobre lienzo

Robert Peluce fue un pintor, escultor, y animador que nació en Brooklyn, Nueva York, en 1937. Peluce estudió en el East Los Angeles City College y en el Chouinard Art Institute. Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones individuales y colectivas y ha ganado muchos premios estadounidenses e internacionales, incluyendo el Premio Peabody en 1997. Robert Peluce murió el 12 de abril de 2004.

En Arsenal Le Comte Arts un acrílico sobre lienzo de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva York 1937 – 2004) – Yellow Bird. Acrílico sobre lienzo

Fue un artista de la Revolución Industrial de los 60, 70, 80, precursor de lo que hoy conocemos como Steampunk, en la web de Arsenal Le Comte Arts os he dejado un amplio artículo sobre su trayectoría así como impresiones personales y bastantes imágenes sobre su obra, siendo uno de los pocos artículos que encontraréis del artista en habla Hispana, por no decir el único.  Si queréis saber más sobre su obra os dejo el link AQUI.

Espero os guste y hasta la próxima.

 Atte: Arsenal Le Comte.

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Zona Vip de Arsenal Le Comte Arts

Jean Desire Gustave Courbet (Francia. 1819 -  1877) - Louis Gueymard (1822–1880) como Roberto e Diablo .1857. Óleo sobre lienzo. 148.6 x 106.7 cm. Museo Metropolitano de Arte de NY
Jean Desire Gustave Courbet (Francia. 1819 – 1877) – Louis Gueymard (1822–1880) como Roberto e Diablo .1857.

 

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Hola chic@s, como veis se me ha ocurrido la idéa de hacer una zona reservada sólo para vosotr@s, los seguidores y suscriptores de la nueva página.

Para agradeceros vuestra fidelidad y confianza, no se me ocurre nada mejor que obsequiaros con diferentes regalos (E-books, pdf, reproducciones de grandes obras etc…) que iré subiendo conforme los vaya consiguiendo o elaborando a la página que he llamado (Zona VIP) para que os los podáis descargar.

A ella se accede por contraseña, que os daré una vez hayáis completado el registro a la Newsletter Sólo tenéis que copiar y pegar en el cuadro de texto y ya podréis acceder a ella.

Este primer obsequio consiste en una reproducción a tamaño natural de Gustave Courbet cuyas medidas son de 150 x 107, la cual he optimizado para que la podáis imprimir en ese tamaño para abajo, en la medida que deséis.  Mas información, os la doy en la Zona Vip

Espero que os guste

Saludos:

Atte: Arsenal Le Comte.

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Capricornio – El arte del genio Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989)

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Capricornio” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989)

Los signos del zodiaco. “Capricornio” 1967. Litografías sobre papel gouache.

En 1967, el publicista Leon Amiel encargó a Salvador Dalí una serie de litografías con un tema muy especial, los signos del zodiaco. Esta serie limitada de 250 ejemplares del excéntrico genio que era de signo Tauro, todavía puede comprarse por varios miles de dólares aquí.

Para ver la serie completa y más info os dejo un resumen aquí

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Victoria Francisco (Praga. Rep. Checa) – Detalles

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Victoria Francisco (Praga – Rep. Checa). – Chica con pájaro. Oleo sobre lienzo. 80 x 60 cm

 

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Victoria Francisco (Praga – Rep. Checa). – Chica con pájaro. “Detalle” Oleo sobre lienzo. 80 x 60 cm

Victoria Francisco (Praga. Rep. Checa)

La semana pasada realicé una entrada de esta autora en arsenallecomte.com cuyo artículo y obras podéis ver aquí .

Creo que la entrada estaba incompleta sin apreciar en corto la cantidad de bellos detalles que la autora realiza en sus obras, por ello aquí os dejo algunas de sus obras con detalles que me encantan. Adoro pasar el tiempo admirando estos detalles, veo su perfección en intento ir más allá del apreciar la calidad de los trazos. No sé explicar lo que me ocurre, se me pasan las horas así y cuando pasa el hechizo, me digo que  parezco un loco, embobado tanto rato en un detalle, pero luego pienso “Divina locura” jajajaja… Bueno son interpretaciones mias, asi que aquí os dejo unos cuantos detalles de esta autora. Para saber más sobre ella aquí, aquí y en su Facebook

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Victoria Francisco (Praga – Rep. Checa) – Juliette. Oleo sobre lienzo. 80 x 60 cm
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Detalle de la obra Juliette en la cual apreciamos el pájaro que sostiene en su mano

 

Second_detail_of_Juliette_by_victoriafrancisco
Segundo detalle de la obra Juliette en la cual apreciamos las ramas de olivo y un paisaje de fondo.

 

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Victoria Francisco (Praga – Rep. Checa) – Chica con tulipán. 80 x 60 cm. Óleo sobre lienzo.
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Victoria Francisco (Praga – Rep. Checa) – Chica con tulipán. “Detalle”. 80 x 60 cm. Óleo sobre lienzo.

Hasta la próxima

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Atte: Arsenal Le Comte Arts

 

Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – Barroco

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Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – Pareja con pájaro. 1668. Óleo sobre lienzo. 73 x 62 cm. Actualmente perteneciente al Wallraf-Richartz-Museum. Colonia (Koln). Alemania.

En su primera etapa De Hooch pintó escenas de soldados en tabernas y establos. Durante un tiempo trabajó para el mercader de tejidos Justus de la Grange, a quien dio unas cuantas de sus obras a cambio de su mantenimiento y otros beneficios. Este tipo de intercambio era muy frecuente entre los artistas holandeses de aquella época.

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Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – La despensa. 1658. Óleo sobre lienzo. 83 x 73 cm. Rijksmuseum. Ámsterdam. Holanda

Cuando se casa se instala en Delft en 1654 y tiene siete hijos, es cuando cambió el tema de su pintura a las escenas de la vida doméstica. Entró a formar parte del Gremio de san Lucas en Delft, y fue allí donde pintó sus mejores obras. Posteriormente se trasladó a vivir a Ámsterdam.

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Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – La madre. 1660. Óleo sobre lienzo. 92 x 100 cm. Gemäldegalerie. Berlín. Alemania.

De Hooch no sólo pintó interiores, también representó escenas en patios o calles, como el conocido cuadro Patio de una casa en Delft (1658, National Gallery, Londres), así como interiores no domésticos, como es el caso de otra obra existente en la Colección Thyssen-Bornemisza La Sala del Concejo del Ayuntamiento de Ámsterdam (c. 1661-1670)

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Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – Sala del Concejo del Ayuntamiento de Amsterdam. 1670. Óleo sobre lienzo. 12,5 x 99 cm. Museo Thyssen Bornesmiza. Madrid España

En esta obra “La Sala del Concejo del Ayuntamiento de Ámsterdam ” causa un poco de confusión (según Javier Navarro de Zuvillaga en su estudio de la representación del espacio para la página del Museo Thyssen de Madrid en 2009). El cual nos dice que  “el hecho de que se observa en el centro de la obra y en un tercer término a una niña que parece estar mirando al espectador; a la derecha de la niña y un poco más hacia delante vemos a un chico, mayor que la niña, que parece estar mirando al perro que se ve en primer término; los niños, especialmente las niñas, son tema recurrente en la obra de este artista. Si observamos el cuadro con atención veremos que delante de la niña y en primer término se puede apreciar un pentimento de la figura del perro que, por alguna razón, el pintor situó posteriormente más a la derecha. ¿Podría ser entonces que la niña estuviera mirando al perro en su primera ubicación? Finalmente, la figura del hombre que mira hacia arriba en el primer término derecha resulta extraña en cuanto que parece demasiado alta en comparación con el resto de las personas representadas. Cuesta creer que un pintor experimentado como De Hooch en una obra importante como ésta, realizada en plena madurez, haya cometido un fallo tan obvio. Podría ser que el autor haya retratado a una persona que fuese realmente muy alta, ya que no creo que haya querido significar la importancia del personaje mediante un tamaño mayor que el resto de las personas, pues esto no tendría sentido en el realismo que caracteriza la pintura holandesa del siglo XVII“. Para saber más sobre Javier, aquí, a sus libros publicados aquí y no os pongo su sitio web porque no lo encuentro.

 

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Pieter De Hooch (Roterdam, Holanda. 1629 – 1684) – La plaza del pueblo. 1665. Óleo sobre lienzo. 61 x 47 cm. Rijksmuseum. Amsterdam. Holanda

Bueno, pues como pasa siempre,  a pesar de los muchos clientes que tuvo, probablemente, vivió sus primeros años en Ámsterdam, en un barrio pobre. Ya en 1668, se trasladó a un barrio mejor, pero nunca fue lo suficientemente rico para comprar una casa propia. Poco se sabe de sus últimos años de vida y a menudo se le confunde con su hijo Pieter Pietersz. de Hooch, que parece haber sido su aprendiz. Fue encerrado en un manicomio por sus problemas mentales. Murió el 24 de marzo de 1684, y fue enterrado en la Iglesia de San Antonio.

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A las personas que siguen este blog, decirles que debido a que es gratuito, se me inserta publicidad por parte de WordPress, con esto quiero decir que no estoy publicitando nada, aunque he comprobado los enlaces que ponen y son todos fiables y no son ninguna estafa. Bueno, debido a esto deciros que he abierto una pagina web propia con lo cual si alguna vez inserto publicidad para poder mantener el gasto que con ello conlleva ya será por que lo he decidido yo, por el momento no es mi intención hacerlo pero nunca se puede decir de este agua no beberé. Deciros también que aunque haya hecho otra página, este blog no lo voy a hacer desaparecer por el respeto que os tengo a todos los que me seguís, así que utilizaré las dos plataformas para iros comentando mis inquietudes sobre Arte.

Dicho lo cual aquí os dejo la página nueva, espero que os guste:

arsenallecomte.com

Nos vemos en ambos lugares.

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Saludos. Atte: Arsenal Le Comte Arts.

 

La Piedad Invertida – Javier Castillo Zurita, por encargo de Marina Vargas. (Neobarroco)

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La Piedad invertida o la Madre muerta, Javier Castillo Zurita, bajo encargo de Marina Vargas. Modelado en barro blanco tamaño natural.Molde y positivo en resina+GelCoat. 2012. 152 x 138 x 96 cm
. Marina realizo varias interpretaciones de esta obra realizandolas con resina de poliester y después policromándola

– La Piedad invertida o la Madre Muerta –

A simple vista, esta escultura ideada por Marina Vargas, 
vemos que hace referencia a La Piedad de Miguel Ángel. 
Pero también se inspira en las famosas piezas de Bernini llamadas 
“Theatrum Sacrum”, como, por ejemplo, El éxtasis de Santa Teresa 
y el de la Beata Ludovica Albetoni

Marina Vargas (Granada, 1980)

Se forma en Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha mostrado su obra en las ciudades de Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga, Milán, Nueva York, México, Monterrey o La Habana, ganadora de premios como el INJUVE (Madrid) y INJUVE (Málaga), ambos en 2008, Premio Internacional de Pintura Focus Abengoa (accésit) en 2008, o las Becas de Creación Iniciarte (Sevilla) en 2009, o la otorgada por la Fundación Antonio Gala, en 2006, entre otros.

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Marina Vargas junto a su obra de la Piedad invertida o La Madre muerta.

Marina Vargas, le encargó el modelaje de esta obra al escultor Javier Castillo Zurita, (aquí a continuación, os dejo un video de su proceso), realizándola en barro blanco. Con ella a realizado varias interpretaciones a cada cual más bella e impactante con resina de poliester.

He conocido esta obra hechando una ojeada a las obras que se expusieron en  ARCO de Madrid en el 2014, buscando algo nuevo contemporaneo, o alguna pieza blasfema de las que habitualmente aquí se exponen. Cuando de repente vi esta imagen dejándome impactado por su belleza, profundidad y desgarro. Viendo una imagen de un Jesús sereno, pausado y doliente, sosteniendo en brazos la agonía de su Madre,  un cadáver yaciente, sin sostener nada en la mano, pues en otras versiones sostiene un corazón sangrante en ella. Que impacto, que fuerza la interpretación actual que hace Marina de la famosa Piedad de Miguel Ángel, pero en la que el hijo es el que lleva en brazos a la madre.

Neobarroco, con una muy cuidada puesta en escena, produciéndome un diálogo interior de mis ideas preconcebidas de mi educación cristiana. Feminidad, violencia por lo trágico de la muerte y el amor con que el hijo sostiene en la muerte a su madre, dan vueltas en mi interior admirando la creacion con un simbolismo alusionando a Miguel Angel con una identidad contemporanea.

Logra generarme dudas, sensaciones, sentimientos, comparaciones, al ver esta obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada, donde la madre es ungida por la caricia del otro, aquel que más la adora, entregándole con ello su deidad, provocándome reacciones ante el amor, la muerte y porqué no, dudas en la fe.

Las distintas interpretaciones que hace Marina de la Piedad invertida, están realizadas con resina de poliester policromada, con unas medidas de 152 x 138 x 96 cm. O sea son de tamaño natural. Todas representan la escena de la Piedad vaticana de Miguel Angel con la salvedad que las de Marina, la muerta es la Virgen, que está sostenida por Jesús. La escena es acojonante, aunque cuando nos fijemos en el rostro de la virgen, comparándolo con la Piedad del vaticano, ya no parece una joven dolorosa, si no más bien una santa en éxtasis.

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Detalle de la cabeza de la vigen, donde podemos apreciar que ya no es el rostro de una virgen dolorosa, si no que se asemeja más a una santa en éxtasis, recordándonos a la Santa Teresa de Bernini.

Cómo véis su expresión es cercana al Extasis de Santa Teresa de Bernini, incluso con la caida del brazo, ¿abatida, extasiada? probablemente una magnífica expresión de dolor nacida de la mano de Javier (no olvidemos, que fue el autor de la pieza original para después hacer el molde). En cuanto a su cuerpo, no va tan recatada como suelen representarnos a la virgen, el cuello del vestido, nos deja adivinar un escote, y sus piernas, no son sólo insinuadas, sino que se dejan ver por debajo del vestido. En cambio la expresión del Cristo, es neutra, reflejando más bien pasividad, que no la pena esperada por la situación.

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Detalle del proceso de modelaje de la figura a cargo de Javier Castillo Zurita

Sin embargo de todas las versiones que nos ha realizado Marina, la que más me ha impactado es la realizada en enero del 2014 en la Galería Javier Lopez de Madrid, titulada: Marina Vargas; La muerte por las manos

La composición está formada por dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas en una performance sublime. Donde, La Piedad “Externa” de color blanco, sujeta el corazón sangrante de La Piedad “Interna” de color rojo, a la cual le falta el corazón. Es importante destacar el revestimiento de la escultura, que parece esgrafiada con hilos dorados que se entrelazan como finas ramas posándose sobre la figura. Según palabras de la artista son como venas (ella misma las llama “entrañas”), buscando de esta manera sacar fuera lo que escondemos, como un campo energético interior descrito con un entramado de líneas de luz.

 

Según palabras de Marina:

Mi primera intención al invertir los papeles de La Piedad de Miguel Ángel fue la de humanizar una imagen sagrada. Pues lo más natural es que a un hijo se le muera un padre. Pero también quería situarme en ese fino límite entre lo sagrado y lo profano, para reivindicar un regreso a lo femenino, desde lo primigenio. Y por supuesto para evidenciar el poder y el papel de la mujer en lo religioso. Son aspectos que aún están flotando en la sociedad en la que vivimos y que tienen que ver mucho con la política.

 

Un detalle de estas obras es que cada una de ellas, lleva en su interior según palabras de la autora, en las entrañas, algo dentro que es como una recarga extra simbólica… “La primera Piedad invertida, por ejemplo, lleva una caja con una inscripción en su exterior: QUE NADA NI NADIE ME CORTE LAS ALAS. Su interior contiene elementos y objetos que he guardado mucho tiempo conmigo y me han acompañado… De estos objetos no doy ninguna información porque es mi secreto… Es como un altar dentro de otro…”.

Explicaba Marina Vargas en una entrevista a Fer Francés (@FerFrances1) “La Piedad Invertida responde a invertir nuevamente los valores, humanizando la historia. Pues lo natural es que a un hijo se le muera un padre y no al revés. Se trata de una inversión de la pieza como ídolo y no como imagen (…) el tamaño debía ser a escala humana. Muerta la madre de Dios, muere la matriz, la energía creadora y no existe Dios. Al invertirse el concepto, se invierten los poderes. Y lo sagrado y lo profano prácticamente están ligados y al límite”.

Aqui os dejo un enlace a la web de Marina Vargas.

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Imagen de las dos obras enfrentadas en la galería Javier Lopez de Madrid

 

 

Atte: Arsenal Le Comte

Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – El amor entre dioses y mortales. (Ilustraciones) 1935

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953)Psique y Cerbero. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Psique era una mortal de la cual se enamoró el dios Eros, este por miedo a su madre Afrodita siempre se presentaba ante psique de noche y evitando que ella lo viera pero un día por influencia de sus dos hermanas la amante de Eros tomo una lámpara mientras el dios dormía y lo vio haciendo que se fuera.
Entonces Psique le pide a Afrodita que le devuelva el amor de su amado dios y esta le encarga cuatro tareas la última de las cuales era bajar al Hades y llevar un poco de la belleza de Perséfone a la diosa del amor pues la diosa había perdido un poco de este don cuando apaciguaba a su hijo Eros quien sufría el desamor de Psique. Para entrar al inframundo Psique durmió al can cerbero con una torta o pastel.

Edmund Dulac nació en 1882 en Toulouse, Francia, manifestándose muy pronto su inclinación artística.  Existiendo dibujos de sus primeros años de adolescencia. Muchos de estos primeros esfuerzos son acuarelas, un medio que usaría a través de la mayor parte de su vida.

En 1935, Dulac ilustra un libro de Hugh Ross Williamson llamado El amor entre dioses y mortales, que contenía cuentos de diversas relaciones entre dioses míticos y humanos, la mayoría de las cuales terminan trágicamente.

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Selene y Endimión. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
La luna nunca fue objeto de un culto específico por parte de los antiguos griegos. Existía, no obstante, una divinidad lunar, Selene (en griego Σελήνη), hermana de Helios (el Sol) y de Eos (la aurora). Selene fue conocida sobre todo por sus amoríos con el joven pastor Endimión a quien vió una noche dormido sobre una cueva del monte Lamos, cerca de Mileto. Selene pidió entonces a Zeus que concediera a Endimión la vida eterna para que así nunca le abandonase. Alternativamente, Endimión tomó la decisión de dormir en un sueño perpetuo, del que sólo despertaba para recibir a Selene.
Cada noche, Selene bajaba a la cueva del monte Lamos para visitar a su amante dormido. De este amor nacieron cincuenta hijas. En el arte, Selene era representada como una mujer hermosa de rostro pálido, conduciendo un carro de plata tirado por un yugo de bueyes blancos o un par de caballos. A menudo era mostrada montando un caballo o un toro, vistiendo túnicas, llevando una media luna sobre su cabeza y portando una antorcha

La reinterpretación de los mitos es esencial si quieren sobrevivir.  Se han transmitido de una generación a otra como ciertas historias que se transmitían por vía oral. En el proceso, están constantemente embellecidos o a veces pierden su significado antiguo. En cualquier caso, son alterados por cada narrador. Los grandes mitos no son muchos en número, pero si lo suficientes como para dejarnos llevar por ellos. Racine, Goethe, Shakespeare, sabían muy bien por qué su uso era tan eficaz: el mito es como una llave que abre el alma más antipática a escribir (o el arte visual). Siempre he preferido el mito a la historia, porque la historia se compone de verdades que se convierten en mentiras, mientras el mito consiste en mentiras que se convierten en verdades! Esta última frase pertenece a  Jean Cocteau.

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Perséfone y Plutón. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Deméter-Ceres, hermana de Zeus, diosa de la agricultura tenía una hija con la que estaba estrechamente unida: Perséfone-Prosérpina. Esta diosa crecía feliz entre las ninfas y otras doncellas haciendo la vida propia de la juventud que no se preocupa del matrimonio.
Un día en que estaba cogiendo flores en la pradera de Nisa, en las llanuras de Sicilia, en el momento en que se disponía a arrancar un narciso, súbitamente la tierra se abrió a su alrededor y apareció en su carro el dios de los Infiernos, Hades-Plutón , que se había enamorado de la joven. El dios descendió, salió al encuentro de la diosa y la raptó, llevándosela con él a las profundidades.
Esta acción la cometió con la complicidad de Zeus. La desolada madre de la joven la buscó en vano por toda la tierra durante nueve días y nueve noches en las que se ayudaba de una antorcha. Mientras tanto descuida sus tareas de diosa de la agricultura y la tierra en Grecia se vuelve estéril ocasionando un período de hambre. Zeus ordena a Hades, por medio de la diosa mensajera Iris, que devuelva la hija a su madre.
No va a ser ya posible porque Perséfone ha comido un grano de una granada cultivado en el Infierno y por tanto queda ya ligada a este lugar definitivamente.
La solución es el acuerdo que toman los tres dioses olímpicos: Perséfone dividirá el año entre su estancia en los Infiernos con Hades –lo que simboliza el invierno, ausencia de vegetación- y su regreso a la tierra con su madre que simboliza la primavera.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Andrómeda y Perseo. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Perseo era hijo de Zeus y de Dánae que a su vez era hija de Acrisio, el rey de Argos; Acrisio lo expulsó de Argos junto con su madre porque un oráculo había asegurado que mataría a su abuelo; cuando se hizo mayor mató a la Medusa, que convertía en piedra a todo el que la miraba, y regaló su cabeza a Atenea, quien desde entonces la lleva en su escudo.
Andrómeda, hija de Cefeo y de Casiopea, fue castigada a ser devorada por un monstruo marino enviado por Posidón, porque su madre había ofendido a Las Nereidas diciendo que era más bella que ellas.
Perseo la encuentra cuando viene de matar a la Medusa, mata al monstruo marino, la libera, se casan y después de varias aventuras llega con ella a la isla de Sérifos donde viven felices en compañía de Dánae.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Pan y la ninfa Siringa. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Siringa, era una ninfa de la Arcadia y en cierta ocasión, perseguida por Pan, huyó horrorizada y trató de esconderse entre la vegetación del agua del río Ladón (dios). Para salvarla del sátiro, Ladón convirtió a la ninfa en juncos de cáñamo, Pan la busca desesperadamente pero solo escucha el agradable sonido que producen los juncos al ser movidos por el viento. Sorprendido corta una de las cañas, la trocea y une sus partes con cera, construyendo así un instrumento musical: la Siringa o Flauta de Pan.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Eurídice y Orfeo. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Eurídice era una dríade (ninfa) y era a la esposa de Orfeo (poeta y músico divino).
Orfeo amaba profundamente a su bella esposa quien acostumbraba pasear con las náyades.
Una vez en que la bella Eurídece caminaba en uno de sus paseos, por un prado de Tracia fue vista -según Virgilo- por Arsisteo, quien prendado inmediatamente de ella, la persigue para hacerla suya. Ella escapa con gran velocidad y miedo, pues su corazón sólo le pertenece a Orfeo. En su huída, Eurídice es mordida por una serpiente y muere.
Orfeo, desconsolado la llora y su desesperación no encuentra consuelo, por lo que toma la arriesgada decisión de ir en busca de su dulce y amada esposa al Hades, la tierra de los muertos.
Con su dulce canto y su poesías, Orfeo logró conmover a Caronte, quien lo deja atravesar el río Estigia, límite entre el mundo de los vivos y los muertos. Después, también con sus habilidades artísticas Orfeo logra convencer a Perséfone y a Hades de que le permitan llevarse a Eurídice.
Las divinidades subterráneas aceptan que se la lleve, pero Orfeo debe prometer que no intentará ver a su esposa hasta que la haya llevado a la luz del sol.
Entonces, según lo convenido, Eurídice seguía a Orfeo en el camino hacia la luz, y en el momento en que estaban a punto de abandonar las oscuras profundidades, Orfeo tuvo dudas.
Así, empezó a pensar en la posibilidad de que Perséfone lo hubiera engañado y que Eurídice no viniera tras él, por lo que no pudo soportar la tentación y se volvió para mirarla y corroborar que ella venía con él.
Cuando esto ocurrió, Eurídice fue arrastrada por una fuerza irresistible otra vez hacia el Hades. Orfeo, desesperado, intenta ir de nuevo a rescatar a su amada, pero esta vez Caronte no se lo permite.
Orfeo regresó a la Tierra solo y desamparado y mantuvo fidelidad a su esposa hasta su muerte.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Jasón y Medea. 1935.
Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
La historia de Medea está estrechamente relacionada con la de Jasón. Éste emprende su viaje con los Argonautas para ir en busca del Vellocinio de Oro, que se encontraba en la Cólquide. El padre de Jasón, Esón, que era el rey de Yolco en Tesalia, es depuesto por su hermano Pelias, quien entonces intenta impedir que Jasón reclame el trono. Con la esperanza de que éste perezca en la expedición, le persuade de emprender la peligrosa búsqueda del Vellocino de oro. Jasón reúne a los cincuenta jóvenes más nobles de Grecia para que lo acompañen en el viaje a bordo del Argo.
Cuando la nave alcanza la Cólquide, el rey Eetes afirma que no entregará el Vellocinio a menos que Jasón supere una serie de pruebas demasiado duras. Medea, víctima de la acción de Eros y Afrodita, se enamora perdidamente de Jasón y le ayuda a superar dichas pruebas y llevarse el Vellocinio a cambio de que el héroe se case con ella y la lleve consigo, traicionando así a su familia y a su patria.
Medea y Jasón, junto con el resto de los Argonautas, zarpan, perseguidos por los colquidenses, entre los que se encuentra el padre de Medea. Para escapar de la persecución, ésta mata a su hermano Apsirto y dispersa sus restos en el mar, para que, de esta manera, Eetes pierda tiempo.
También se cuenta que Medea, temiendo ser entregada por los griegos para frenar la persecución, tiende una trampa a su hermano para que Jasón lo mate.
A su llegada a Yolco, descubren que Pelias es el responsable de la muerte de los padres de Jasón y éste le pide de nuevo ayuda a Medea para vengarse. Ella, obedeciendo a su amado, convence a las hijas de Pelias de que es capaz de rejuvenecer a las personas. Estas le piden que rejuvenezca a su padre que se encuentra ya en una edad bastante avanzada. Medea les muestra como hacerlo degollando a una oveja y poniendo sus trozos a hervir. Al momento, un cordero joven salta de la caldera de agua caliente. Convencidas las muchachas, repiten el experimento con su padre, pero al carecer de la magia de Medea, no consiguen que resucite, logrando así la maga su objetivo.
Jasón y Medea parten entonces hacia Corinto y allí tienen dos hijos. Pero toda la felicidad se acaba cuando Jasón rechaza a Medea para casarse con Glauce (o Creusa), hija del rey corintio, Creonte, por voluntad de éste. Entonces, el rey ordena el destierro de Medea. Ésta, asegurándose de que el rey Egeo la acogerá en su patria, pide un día más de estancia en Corinto, deseo que le es concedido. En ese día, mata a Glauce, enviándole un vestido envenenado. Cuando ésta se lo pone, creyéndolo regalo de boda y símbolo de reconciliación, se ve envuelta en un fuego abrasador que acaba también con la vida de su padre al intentar socorrerla. Acto seguido, temiendo que se tomaran reprimendas contra ellos, Medea mata a sus hijos y huye en un carro de fuego que le proporciona el dios Helios. Jasón se queda sin esposa y sin hijos haciéndose desgraciado y Medea, finalmente, se suicida.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Herackes y Deyanira. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
Deyanira era la hija de Altea y Oineo (rey de Calidón), Dioniso o Dexámeno. Cuando su hermano Meleagro murió, todas sus hermanas lamentaron su muerte en su tumba. Artemisa, enfadada, las tocó con su vara convirtiéndolas en pájaros, con la excepción de Deyanira y Gorge, que pudieron retener su forma humana gracias a la intervención de Dioniso.
Su padre la prometió en matrimonio al temible dios-río Aqueloo. Sin embargo Deyanira no era una princesa pasiva, pues «conducía un carro y practicaba el arte de la guerra», como señala Apolodoro, y no quería tener nada que ver con su pretendiente, quien podía tomar la forma de una serpiente o un toro. Heracles, el mayor héroe del antiguo mundo olímpico, luchó con Aqueloo por la mano de Deyanira y derrotó al dios-río. Posteriormente ella y Heracles tendrían una hija llamada Macaria.
La historial principal de Deyanira es la de la túnica de Neso. Un centauro salvaje llamado Neso intentó violar a Deyanira mientras la ayudaba a cruzar el río Euneo. Heracles vio lo que ocurría desde el otro lado de un río y le disparó una flecha envenenada al pecho. Agonizando, Neso mintió a Deyanira contándole que la sangre de su corazón aseguraría que Heracles le amase para siempre. Deyanira creyó sus palabras y guardó un poco de dicho veneno. Cuando su confianza en Heracles empezó a menguar, untó su famosa túnica de cuero con la sangre. Licas, el siervo de Heracles, le llevó su túnica y cuando se la puso, Heracles murió lenta y dolorosamente cuando ésta quemó (con llamas reales o por el calor del veneno) su piel. Desesperada al ver lo que había hecho, Deyanira se suicidó ahorcándose.

 

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Edmund Dulac (Francia. 1882 – 1953) – Afrodita y Adonis. 1935. Ilustración del libro de Hugh Ross Williamson, “amores entre dioses y mortales”
En la mitología griega se supone que Adonis es hijo de Cíniras. rey de Chipre, y de su hija Mirra o Esmirna. Dado que Mirra no adoraba a Afrodita, diosa del amor, ésta la castigó haciendo que se enamorase de su padre. Con la ayuda de una de las doncellas de su servicio. Mirra consiguió dormir con Cíniras varias veces sin que él se diese cuenta de que estaba haciendo el amor con su hija. Cuando finalmente descubrió que había cometido incesto, sacó su espada, indignado, con el propósito de matarla, pero Mirra, ya embarazada, escapó y los dioses la convirtieron en una planta, el arrayán. Finalmente, el arbusto se partió y de ahí nació Adonis, cuya belleza ya sorprendía incluso siendo un bebé. Afrodita no se encontraba complacida con esta circunstancia y ocultó al pequeño Adonis en un cajón y se lo llevó a Perséfone, diosa del Averno. Cuando Perséfone miró dentro del cajón quedó prendada y llevó al pequeño a su propio palacio, rechazando devolvérselo a la diosa del amor.
Zeus no quiso pasar inadvertido en esta historia y decidió que el niño debería pasar una tercera parte del año con Afrodita, otra con Perséfone y el resto del tiempo, solo. De acuerdo con otra interpretación, la musa Calíope hizo de Juez en la disputa y ordenó que Adonis tendría que permanecer seis meses con cada diosa.
En cualquier caso. Afrodita quedó hechizada por el Influjo de la belleza de Adonis, lo que significaba que estaba perdidamente enamorada de un mortal. Su felicidad duró poco pese a todo. Ella misma se había temido todo esto y había advertido al propio Adonis de manera clara para que tuviera cuidado cuando saliese de caza. Afrodita Insistía en que sería mejor que se dedicase a tareas más útiles. Pero el Joven era muy Inquieto e hizo oídos sordos a su advertencia, y durante una cacería fue atacado por un jabalí. No queda claro si fue la ofendida Perséfone la que había persuadido al amante celoso de Afrodita. Ares, para que llevase a cabo el ataque. El incidente acabó con la vida de Adonis, y la inconsolable Afrodita hizo brotar anémonas rojas de cada gota de sangre vertida.
De acuerdo a las distintas versiones del mito. Zeus permitió que Adonis resucitase durante la primavera y el verano, de manera que pudiese pasar el periodo de tiempo establecido con Afrodita.
Adonis, cuyo nombre se usa todavía para describir la belleza masculina, era. en principio, el dios de la vegetación. Su leyenda, al igual que la de Perséfone. está unida al cambio de las estaciones, en el que la naturaleza muere para revitalizarse de nuevo

 

Atte: Arsenal Le Comte.

Venganza bajo juramento – Francesco Hayez, (Venecia, Italia. 1791 – 1882)

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento. 1851. Óleo sobre lienzo. 237 x 178 cm. Firmado y fechado: Fran. Hayez / en Venezia 1851 Liechtenstein Museum –  Palacio de verano de Liechtenstein.  – Liechtenstein.

Francesco Hayez pintó esta magnífica obra en Venecia en el año 1851, “Venganza bajo juramento”.  La composición está dominada por las dos figuras de tamaño natural casi en su centro, su tratamiento detallado del fondo, desencadena un fondo sugerente de los palacios venecianos junto con una bella fuente.

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Venganza bajo juramento – Detalle del fondo de la obra donde se aprecia el buen gusto de Hayez al interpretar los clásicos palacios venecianos.

Hayez, también, era un maestro de la representación de las distintas cualidades de los diversos tipos de tela,  apreciamos como destaca partiendo del patrón de las flores del vestido, por medio del brillo de la seda, a la transparencia del velo.

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Magnífico nivel de detalle en esta trasparecia del velo del vestido, teniendo como fondo la fuente o pileta.

Hayez estaba íntimamente relacionado con el mundo del arte vienés de este período. Había llegado a Viena en 1836 con el fin de contribuir al proceso de reforma puesto en  marcha luego en la Academia de Bellas Artes, y fue presentado al emperador por el príncipe Metternich.

Los pintores vieneses de este período también estaban atentos a la evolución del resto de Europa y el conocimiento de lo que se estaba pintando en Inglaterra, en Francia y en Italia aseguraron una cierta apertura para encontrar su reflejo en la obra producida en Viena.

Es por referencia al arte producido en este periodo en otros países por lo que somos capaces de hacer comparaciones significativas. Tal referencia amplia nos proporcionan los criterios que nos permiten reconocer la importancia y la calidad de la pintura de la era Biedermeier en Viena, incluso para los estándares establecidos por el presente contexto internacional.

Esta pintura pertenece a  una serie inspirada en una novela inédita de Andrea Maffeil. Es parte de un tríptico sobre el amor y la venganza, junto con la Acusación secreta, ahora en la Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía, y La venganza de un rival (La Mujer de Venecia), el paradero de esta tercera obra es actualmente desconocido.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – La acusación secreta. 1847-1848. Óleo sobre lienzo. 153 × 120 cm. Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía. Italia

 

En esta parte que nos ocupa del tríptico, Raquel (enmascarada y con el vestido de flores) ha informado a María (que llevaba un velo), sobre el engaño de su amante. Maria ha quitado la máscara de su cara y está empujando a Raquel distanciándola. En el marco de la obra original, apareció un verso de Maffei con las siguientes palabras: “via dal mio cor si vil pensiero” – “destierra de mi corazón tan vil pensamiento”.

 

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, excepcional el nivel de detalle de las máscaras.

Una figura silueteada en un balcón en el fondo parece estar alejada del drama. Las actividades del canal, desiertas, no existen, creando un espacio semiprivado en el que se revelan los secretos, pero sólo para algunos…

Las colecciones del Principado de Liechtenstein  contienen grandes obras de arte europeo que abarca cinco siglos, encontrándose entre las colecciones privadas más importantes del mundo. Que data del siglo XVII, teniendo sus raíces en el Barroco ideal de mecenazgo principesco de las artes. Durante generaciones, la Casa de Liechtenstein ha nutrido constantemente este ideal, añadiendo sistemáticamente a las participaciones de la colección de acuerdo con una política de adquisiciones un activo que continúa hasta nuestros días. Esto permite que existan áreas focales de la colección a ampliarse y mejorarse a través de la adquisición de obras de arte de la más alta calidad, garantizando así el atractivo perdurable de las colecciones del Principado.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, detalle del busto de María.

Atte: Arsenal Le Comte

Chie Yoshii – Surrealistas y sincréticos mundos.

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Chie Yoshii (Japón) – Hermera. 2014. Óleo sobre cartulina. 30 x 22 cm. Exhibida en la galería de arte: William Baczek Fine Arts, Northampton, MA. USA.

Originaria de Japón, Chie Yoshii llegó a Estados Unidos en 1996 para asistir al Massachusetts College of Art and Design en Boston.

Comenzó su carrera como artista de efectos visuales en Los Angeles, pero finalmente cambió su enfoque a la pintura, su pasión primaria. Ha estudiado dibujo y pintura en varias escuelas, incluyendo el Art Center College of Design y Los Angeles Academy of Figurative Art. Su mentor fue Adrian Gotlieb, con el que estudió intensamente  de 2002 a 2008. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.

Currículum educativo:
Educación 2002-2008 Adrian Gottrieb de estudio, Los Angeles, CA

2000 BFA Massachusetts College of Art, Boston, MA

1997  Muestra en la Universidad Ritsumeikan, Kyoto, Japón 

18a noche Anual 2010 del The HeArt Project’s

• 2010 KAA Arte Expo

17a noche anual 2009 del The HeArt Project’s

2008 Premios KAA Art Expo 2000

  En el 2000 se gradúa con honores en Bookbuilders of Boston Scholarships

• 1999 Todos los premios escolares: Donis A. Dondis Académico A.

“Me inspiro en la analogía entre cuentos mitológicos y la psicología humana. En mis pinturas, uso capas de imágenes alegóricas creando mundos sincréticos, de ensueño. Además de las lineas físicas aún etéreas , los dibujos lineales presentan un carácter transitorio, para jugar con la mente. Una profusión de símbolos fuerza a las imágenes figurativas a ser abstractas en su conjunto, lo que permite a los espectadores crear sus propias interpretaciones personales”.

Chie Yoshii.  http://www.chieyoshii.com/

Atte: Arsenal Le Comte Arts.

 

Arte en la alta costura – Charles Frederick Wort. (Inglaterra. 1825 – 1895)

Traje Victoriano
Traje de estilo Victoriano del siglo XIX
En el siglo XVII, en tiempos de la reina María Antonieta, existió una mujer llamada mademoiselle Marie-Jeanne Rose Bertin, nombrada Ministra de la Moda por la reina, pues fue su modista durante su corto reinado.
Ella fue la primera modista en tener un lugar propio para atender a su clientela, entre quienes se contaban la reina de España, –  la de Suecia, – la de Bohemia, la zarina de Rusia y otras más. Su salón, llamado Le Grand Gogol, se encontraba en la Rue Saint Honoré. Marie-Jeanne pudo ser la inventora de la moda y de la alta costura, pero la Revolución Francesa no se lo permitió. Por lo que el concepto de “alta costura” tuvo que esperar sesenta y nueve años a que Worth abriera su salón en el número 7 de la Rue de la Paix.
Fotografía de Charles
Retrato de Charles Frederick Worth realizado por el fotógrafo:
Gaspard-Félix Tournachon (París, 1820 – 1910)

Charles Frederick Worth, inglés, dio los primeros pasos al final del siglo XIX, siendo el primer modisto que vendía sus diseños con su nombre, no los hacía bajo pedido, sino que él los creaba y, lo más importante, fue el primero en organizar una especie de pasarela, en donde vestía a modelos con sus creaciones e invitaba a sus mejores clientas a verlas. Worth fue el primero en interesarse más por vender su trabajo, que en complacer a las mujeres de la alta sociedad. Fue un total éxito: todas sus clientas morían por ser como aquellas modelos que Worth les presentaba.

Maniquí con traje victoriano 1867
Traje Victoriano realizado en 1867

El inglés Charles Frederick Worth (1825-1895), podemos decir que fue el primer diseñador de alta costura del mundo.

¿Pero qué lo hace merecedor de este título?

Antes de Charles Frederick Worth, todo era muy distinto en el mundo de la moda. Quienes tenían el poder adquisitivo para hacerlo, acudían a costureros para que les confeccionaran los voluptuosos vestidos usados en la época, pero estos vestidos no tenían el sello personal del costurero, (Carecian de la clásica “etiqueta”) que cualquier marca de ropa hoy en día tiene.

Frederick Worth partió como un aprendiz en la industria textil londinense, tras 7 años de formación decide que París era el lugar donde debía vivir, uniendo la técnica del corte inglés con la elegancia propia de los franceces. Fue entonces cuanto todo dio comienzo.

Lo primero que hizo fue creer en él y en lo que él sabía hacer considerándolo acertadamante como una obra de arte cada vestido que realizaba. El inglés empezó a considerarse a sí mismo una celebridad, fué el primero que firmó sus diseños. Al igual que hacian otros grandes creadores de música, literatura, escultura , puso etiquetas a sus vestidos, firmando los vestidos que confeccionaba como si fueran obras de arte. Al ser el primero en hacerlo, creó un nuevo concepto en la época: el “Couturier” (modisto).

Firma o etiqueta
Firma original de Charles Frederick Worth.

El acto de firmar sus diseños, que a muchos les puede parecer un acto pequeño, hizo un gran cambio en la época: Feredrick Worth decidía cómo serían los vestidos que usarían sus clientas, dejando de ser solo un costurero.

Fué tambien el primero que hizo una colección por año, que presentaba a sus clientas, con lo que se considera que fué tambien el primero que hizo desfiles de moda. Idea que han continuado la mayoria de los creadores posteriores. Esto que hoy nos parece normal fué una auténtica revolución en su momento.
Siendo en 1858 cuando funda su propia casa de moda en la Rue de la paix en París. Aquí fue cuando empezó muchas de las prácticas del mundo de la moda que se hacen hasta hoy.

Eliminó fruncidos y volantes desproporcionados, dió cortes más favorecedores a los vestidos y pasó de la crinolina redonda a la eliptica. Tenía a su favor la maestria de los ingleses en el corte de las prendas, y el gusto exquisito de los franceses , a la hora de realizar sus creaciones. Uno de los grandes cambios que hizo en los diseños de la época fue reducir como dije antes la crinolina, (para nosotros los españoles “Miriñaque” de modo que las faldas caían de forma plana adelante y el volumen se lo daba la parte trasera.

El paso siguiente fue empezar a vestir a las “famosas”. Fue así como dos emperatrices, Isabel de Austria “Sisí” y Eugenia de Montijo, la esposa de Napoleón III, se hicieron fanáticas de sus diseños y cuando las retrataban lo hacían usando un diseño de Worth. Este hecho trajo aún más fama al diseñador. (Realizó los 150 modelos que lució Eugenia de Montijo durante la inauguración del Canal de Suez). Negándose a aceptar las numerosas indicaciones de tan importantes  clientas.

Retratos de Sisi Emperatriz y Eugenía de montijo realizados por Franz Xaver Winterhalter (Alemania. 1805–1873), expuestos en el Palacio Imperial de Hofburgo y el Museo de Orsay respectivamente.

Otra de sus innovaciones consistió en un tipo de patronaje que permitia intercambiar piezas de distintos vestidos haciendo que pareciesen diferentes trajes, según como se combinaran estas piezas. Mangas , cuerpos, faldas se mezclaban, gustándole trabajar el conjunto de la imagen de la clienta, por lo que daba indicaciones y decidia sobre joyas, peinados y demás complementos a los modelos que realizaba. Tambien acortó el largo de las faldas permitiendo verse las puntas de los botines en los trajes de paseo. Esto que nos puede parecer una minucia, fué un gran cambio en su momento.

Entre sus clientes se incluyen otros miembros de la realeza muchos ricos europeos y norteamericanos, las actrices, como Sarah Bernhardt, e incluso , una cortesana famosa como Cora Pearl, pero de clase alta.

Entre otras cosas, Worth crea en 1868 la Chambre de la Couture Parisienne: criterios específicos que un diseñador debía cumplir para poder llamarse un “Couturier”.

Muchas de sus creaciones se mostraron en la Gran Exposición de Londres de 1851 y en la Exposición Universal de París de 1855,donde fueron premiadas

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Atte: Arsenal Le Comte.