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La Piedad Invertida – Javier Castillo Zurita, por encargo de Marina Vargas. (Neobarroco)

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La Piedad invertida o la Madre muerta, Javier Castillo Zurita, bajo encargo de Marina Vargas. Modelado en barro blanco tamaño natural.Molde y positivo en resina+GelCoat. 2012. 152 x 138 x 96 cm
. Marina realizo varias interpretaciones de esta obra realizandolas con resina de poliester y después policromándola

– La Piedad invertida o la Madre Muerta –

A simple vista, esta escultura ideada por Marina Vargas, 
vemos que hace referencia a La Piedad de Miguel Ángel. 
Pero también se inspira en las famosas piezas de Bernini llamadas 
“Theatrum Sacrum”, como, por ejemplo, El éxtasis de Santa Teresa 
y el de la Beata Ludovica Albetoni

Marina Vargas (Granada, 1980)

Se forma en Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha mostrado su obra en las ciudades de Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga, Milán, Nueva York, México, Monterrey o La Habana, ganadora de premios como el INJUVE (Madrid) y INJUVE (Málaga), ambos en 2008, Premio Internacional de Pintura Focus Abengoa (accésit) en 2008, o las Becas de Creación Iniciarte (Sevilla) en 2009, o la otorgada por la Fundación Antonio Gala, en 2006, entre otros.

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Marina Vargas junto a su obra de la Piedad invertida o La Madre muerta.

Marina Vargas, le encargó el modelaje de esta obra al escultor Javier Castillo Zurita, (aquí a continuación, os dejo un video de su proceso), realizándola en barro blanco. Con ella a realizado varias interpretaciones a cada cual más bella e impactante con resina de poliester.

He conocido esta obra hechando una ojeada a las obras que se expusieron en  ARCO de Madrid en el 2014, buscando algo nuevo contemporaneo, o alguna pieza blasfema de las que habitualmente aquí se exponen. Cuando de repente vi esta imagen dejándome impactado por su belleza, profundidad y desgarro. Viendo una imagen de un Jesús sereno, pausado y doliente, sosteniendo en brazos la agonía de su Madre,  un cadáver yaciente, sin sostener nada en la mano, pues en otras versiones sostiene un corazón sangrante en ella. Que impacto, que fuerza la interpretación actual que hace Marina de la famosa Piedad de Miguel Ángel, pero en la que el hijo es el que lleva en brazos a la madre.

Neobarroco, con una muy cuidada puesta en escena, produciéndome un diálogo interior de mis ideas preconcebidas de mi educación cristiana. Feminidad, violencia por lo trágico de la muerte y el amor con que el hijo sostiene en la muerte a su madre, dan vueltas en mi interior admirando la creacion con un simbolismo alusionando a Miguel Angel con una identidad contemporanea.

Logra generarme dudas, sensaciones, sentimientos, comparaciones, al ver esta obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada, donde la madre es ungida por la caricia del otro, aquel que más la adora, entregándole con ello su deidad, provocándome reacciones ante el amor, la muerte y porqué no, dudas en la fe.

Las distintas interpretaciones que hace Marina de la Piedad invertida, están realizadas con resina de poliester policromada, con unas medidas de 152 x 138 x 96 cm. O sea son de tamaño natural. Todas representan la escena de la Piedad vaticana de Miguel Angel con la salvedad que las de Marina, la muerta es la Virgen, que está sostenida por Jesús. La escena es acojonante, aunque cuando nos fijemos en el rostro de la virgen, comparándolo con la Piedad del vaticano, ya no parece una joven dolorosa, si no más bien una santa en éxtasis.

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Detalle de la cabeza de la vigen, donde podemos apreciar que ya no es el rostro de una virgen dolorosa, si no que se asemeja más a una santa en éxtasis, recordándonos a la Santa Teresa de Bernini.

Cómo véis su expresión es cercana al Extasis de Santa Teresa de Bernini, incluso con la caida del brazo, ¿abatida, extasiada? probablemente una magnífica expresión de dolor nacida de la mano de Javier (no olvidemos, que fue el autor de la pieza original para después hacer el molde). En cuanto a su cuerpo, no va tan recatada como suelen representarnos a la virgen, el cuello del vestido, nos deja adivinar un escote, y sus piernas, no son sólo insinuadas, sino que se dejan ver por debajo del vestido. En cambio la expresión del Cristo, es neutra, reflejando más bien pasividad, que no la pena esperada por la situación.

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Detalle del proceso de modelaje de la figura a cargo de Javier Castillo Zurita

Sin embargo de todas las versiones que nos ha realizado Marina, la que más me ha impactado es la realizada en enero del 2014 en la Galería Javier Lopez de Madrid, titulada: Marina Vargas; La muerte por las manos

La composición está formada por dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas en una performance sublime. Donde, La Piedad “Externa” de color blanco, sujeta el corazón sangrante de La Piedad “Interna” de color rojo, a la cual le falta el corazón. Es importante destacar el revestimiento de la escultura, que parece esgrafiada con hilos dorados que se entrelazan como finas ramas posándose sobre la figura. Según palabras de la artista son como venas (ella misma las llama “entrañas”), buscando de esta manera sacar fuera lo que escondemos, como un campo energético interior descrito con un entramado de líneas de luz.

 

Según palabras de Marina:

Mi primera intención al invertir los papeles de La Piedad de Miguel Ángel fue la de humanizar una imagen sagrada. Pues lo más natural es que a un hijo se le muera un padre. Pero también quería situarme en ese fino límite entre lo sagrado y lo profano, para reivindicar un regreso a lo femenino, desde lo primigenio. Y por supuesto para evidenciar el poder y el papel de la mujer en lo religioso. Son aspectos que aún están flotando en la sociedad en la que vivimos y que tienen que ver mucho con la política.

 

Un detalle de estas obras es que cada una de ellas, lleva en su interior según palabras de la autora, en las entrañas, algo dentro que es como una recarga extra simbólica… “La primera Piedad invertida, por ejemplo, lleva una caja con una inscripción en su exterior: QUE NADA NI NADIE ME CORTE LAS ALAS. Su interior contiene elementos y objetos que he guardado mucho tiempo conmigo y me han acompañado… De estos objetos no doy ninguna información porque es mi secreto… Es como un altar dentro de otro…”.

Explicaba Marina Vargas en una entrevista a Fer Francés (@FerFrances1) “La Piedad Invertida responde a invertir nuevamente los valores, humanizando la historia. Pues lo natural es que a un hijo se le muera un padre y no al revés. Se trata de una inversión de la pieza como ídolo y no como imagen (…) el tamaño debía ser a escala humana. Muerta la madre de Dios, muere la matriz, la energía creadora y no existe Dios. Al invertirse el concepto, se invierten los poderes. Y lo sagrado y lo profano prácticamente están ligados y al límite”.

Aqui os dejo un enlace a la web de Marina Vargas.

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Imagen de las dos obras enfrentadas en la galería Javier Lopez de Madrid

 

 

Atte: Arsenal Le Comte

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Magia en la escultura – Philip Jackson (Inverness, Escocia – 1944)

estatua de bronce
La astucia femenina bronce Height : 400 mm / 15.5″ Width : 430 mm / 17″ Depth : 180 mm / 7″

 

Rebosantes de delicadeza, sensibilidad desde cualquier ángulo que las observemos, haciendonos evocar que están salidas de un cuento de hadas.

los centinelas
Los centinelas – Bronce – Height : 364 cm / 143″ Width : 122 cm / 48″ Depth : 109 cm / 43″

 

Philip Jackson es uno de los más importantes escultores figurativos que actualmente trabaja en Gran Bretaña. El estilo de Jackson, en sus propias palabras, es diverso. Ha creado obras que, satisfaciendo sus propias visiones, son a la vez inquietantes y dramáticas. Las esculturas de Jackson que invitan a la reflexión e inspiración, han ganado muchos premios. Su obra combina un estilo poderosamente ejecutado con un talento que ha demostrado tener un gran atractivo.

escultura de bronce
The Doge – Bronce – Height : 630mm / 25″ Width : 387mm / 14.5″ Depth : 390mm/ 15.5″

 

Philip Jackson nació en Escocia durante la II Guerra Mundial y ahora vive y trabaja en West Sussex. Fue a la Escuela de Arte de Farnham. Después de dejar el colegio, era un fotógrafo de prensa durante un año y luego se unió a una compañía de diseño como escultor. El cincuenta por ciento de su tiempo lo emplea en encargos y el otro cincuenta por ciento en esculturas para su galería. Es bien conocido por sus piezas mayores al aire libre, como el joven Mozart en Chelsea y la escultura Jersey Liberación. Sus fuentes de inspiración han sido Epstein, Rodin, Henry Moore, Oscar Nemon y Kenneth Armitage. Pero la influencia más poderosa en su vida es su esposa Jean, que trabaja con él.

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http://www.philipjacksonsculptures.co.uk

Escultura basada en los estudios de Da Vinci sobre el “Ornitóptero”

Da Vinci
Estatua basada en la obra de Leonardo da Vinci. “Ornitóptero”. Artista desconocido. Actualmente expuesta en la Opera Laboratori Fiorentini, Florencia, Italia.

En nuestra sociedad, la copia está mal vista y va implícita una pérdida clara del valor de la pieza reproducida a partir de la original.

La copia en nuestro entorno sociocultural, demuestra que uno no tiene autosuficiencia, capacidad propia para crear o llegar a soluciones, además de ir en detrimento del respeto por el esfuerzo ajeno del que sí lo ha conseguido.

Mas en el contexto en el que lo hacen los que copiaron a Da Vinci,  lo enmarcamos en el contexto de la copia  para el aprendizaje y el beneficio común de nuestra especie, llegar a soluciones más eficientes y respetuosas con el medio ambiente en el cual vivimos. En definitiva, para aprender a hacer las cosas bien.

Durante toda su vida, da Vinci estaba fascinado por la idea de volar y pasó muchas horas diseñando una máquina voladora“.  Partió de los estudios realizados por Roger Bacon sobre 1250.  Asimismo Da Vinci estudió y copió el vuelo de las aves en su sueño de emularlas, estudió su estructura, la relación de las plumas y los huesos, el aleteo etc. Diseccionó muchos pájaros y comparó los huesos humanos con los de las aves, las costillas, las falanges etc. Más tarde con los materiales de los que disponía, trató de llegar a soluciones más o menos acertadas, como fue el “Ornitóptero”.  Y lo que no cabe duda que sus estudios fueron muy útiles para los que vinieron después. Un ornitóptero es un aerodino que obtiene el empuje necesario del movimiento batiente de sus alas de forma análoga a como lo hacen las aves y de ahí su nombre que en griego significa “pájaro” (ornos, ornitos) “con alas” (pteros).

En la exposición que se celebró en el año 2007 en el en el Museo Tecnológico de la Innovación, en San José, California. USA. Llamó poderosamente la atención esta estatua cuya autoría aún desconozco, (si alguien lo sabe agradecería que me lo dijese) basada en los estudios de da Vinci, que representa la transformación del hombre en ave, preparando la transformación de su brazo en ala, preparándose para emprender el vuelo. Actualmente se encuentra en la Opera Laboratori Fiorentini de Florencia en Italia.

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Esculturas fantasmales – Livio Scarpella

Esculturas marmol de Sanmartino
Livio Scarpella (Ghedi. Brescia 1969) – “Anima Beata / Anima Dannata” (alma bendita / alma condenada) Marmol y el corazón amatista y cuarzo. De la seríe (Ghost – Underground) – Basadas en las esculturas de la Capilla de San Severo en Nápoles, Italia.

Livio Scarpella nació en Ghedi, Brescia, Italia, donde vive y trabaja. Fué alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera, diplomándose en 1990. Trabajó como asistente en el estudio del escultor Giuseppe Bergomi hasta el año 1995.

En 1993 fue premiado por la pintura ” San Carlos Borromeo” (Palazzo della Permanente, Milan, Italia). En el 2002 obtiene el premio Durini.

Relicario nº 3
Escultura nº III de una serie de tres obras de relicarios llamados Bimba.
Bronce dorado, lapislázuli, cobre repujado y plata, perlas, coral, geoda
33x14x14 cm
Segundo relicario
De la serie de tres relicarios este es el nº II,
Bronce dorado, lapislázuli, cobre repujado y plata, perlas, coral, geoda
33x14x14 cm



Algunas de sus obras han sido utilizadas para ilustrar las cubiertas de varios libros de Aldo Busi.

En el año 2003, es invitado a participar con “Italian Factory – la nuova scena artistica italiana” al parlamento europeo de Estrasburgo. Ese mismo año también es invitado a la Benial de Venecia, en la sección “Extra 50”

Escultura de Livio representando una cabeza
Escultura de Livio representando una cabeza

El siguiente trabajo es una serie de aspecto clásico llamada “Ghost Underground” inspirada en las obras de la capila de San Severo en Nápoles, Italia, representando almas fantasmales ocultas bajo un velo transparente, mostrando expresiones de angustia o de paz en sus rostros.

Son parejas con destinos opuestos, como “el bendito” y “el maldito”, como “alma bendita” y “alma condenada”, dándoles un especial simbolismo las piedras preciosas insertadas en los bustos, cerca de los corazones de las esculturas.

Estos cristales y los rostros suavemente envueltos por un velo, forma un interesante conjunto de texturas, que nos llama la atención de inmediato, emanando estos bustos fantasmales una magia que nos hace admirarlos durante rato sin cansarnos por ello descubriendo todos sus perfectos detalles.  Pues Livio Scarpella, con su gran técnica logra que no sólo sean rostros humanos, sino que también parezcan almas en pena, perdidas del más allá. Evocando el tema de la vida y la muerte, del que ninguno vamos a poder escapar.

Echar un vistazo a estas imágenes e intentar interpretar cada uno de sus rostros y expresiones, seguro que os harán reflexionar.

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